В августе в редакции «ОГИЗ» издательства АСТ вышла книга Дарьи Козловой «Искусство. Как понимать и получать удовольствие». Дарья Козлова — профессиональная художница, выпускница Московского государственного академического художественного института имени Сурикова и лектор — популяризатор искусства. Более 11 лет она проводит лекции-тренинги, на которых учит слушателей взаимодействовать с искусством. В своей книге она подробно объясняет, как начать разбираться в этой сфере, если человек не обладает обширными знаниями и не готов опираться только на мнения искусствоведов. Автор знакомит читателя со своим методом «Четыре вопроса для понимания искусства» — вопросами, которые помогут понять произведение и сформировать к нему более глубокое личное отношение, нежели «нравится» или «не нравится». В качестве примеров Дарья Козлова описывает свои первые встречи с творениями великих художников — Микеланджело, Пикассо, Веласкеса — и разбирает, на что стоит обратить внимание в этих работах. В книге множество иллюстраций, выполненных художницей Асей Асвойновой, ранее работавшей над документальными и анимационными фильмами, например «Борис Добродеев. „Мосфильм“ на ветрах истории» или «IQ дино». С разрешения издательства «Рамблер» публикует отрывок, в котором Дарья Козлова объясняет, почему многих людей раздражает современное искусство и как начать в нём разбираться.

Издательство АСТ

Часто на лекциях и в личных беседах перед тем, как задать вопрос, слушатели говорят оправдательную фразу: «Я плохо разбираюсь в современном искусстве, поэтому…». Мой ответ немного ироничный, но всегда стремительный: «А вы знаете кого-то, кто хорошо в нём разбирается? Покажите мне!» Мы с вами с этого начали разговор в предисловии. Нам намного легче входить в тему через призму мнений искусствоведов и кураторов, дающих основную информацию о произведениях и художниках. И даже прочитав эту книгу, получив опыт эмпирического исследования произведений Веласкеса, Микеланджело, Пикассо, Дега и Матисса, мы понимаем, когда речь заходит о современном искусстве, наш путь как будто обнуляется. Дело в том, что намного легче разбираться в чём-то, у чего есть начало и конец. Ни Веласкес, ни Пикассо не напишут новое произведение, которое выйдет за рамки их творчества, и нам не придётся начать их изучать снова, чтобы лучше и глубже понять их искусство. Если кто-то стал специалистом по эпохе Возрождения или экспертом в европейской живописи XX века, то в его распоряжении очень понятный и законченный отрезок времени, в котором можно развивать свои знания и компетентность. Главная проблема современного искусства для зрителя — оно не заканчивается. Допустим, худо-бедно в творчестве каких-то знаменитых и знаковых художников современности разобраться можно, вычитав, увидев и услышав что-то на экскурсии или лекции. Но эти художники лишь часть бесконечного развития современного искусства, которое живёт и развивается прямо сейчас, пока живет человечество. А ещё: современное искусство обширно и информация о нём стремительно распространяется по всему миру почти мгновенно, не успевая пройти даже через минимальные фильтры. Если раньше кто-то узнавал, что новый интересный художник зарекомендовал себя на выставке в Париже, это означало: чтобы увидеть его работу и составить о ней своё впечатление, надо как минимум приехать в Париж и посетить эту выставку. Если выставка уже прошла, нужно попытаться попасть на следующую или найти связи, с помощью которых можно было бы организовать личную встречу с художником у него в мастерской, желательно до момента, когда какой-нибудь коллекционер купит его картину и повесит в собственном доме. В XX веке купить книгу или журнал с репродукциями работ современных и классических художников стало гораздо легче, чем поехать в Париж к открытию выставки. Но процесс печати был достаточно дорогим и трудоёмким, поэтому к тому, чьи работы печатать, подходили серьёзно. Сегодня музеи современного искусства рассредоточены по всему миру. Австралия, Азия, Африка, Южная и Северная Америка — везде одновременно миллионы художников создают свои работы и демонстрируют творчество зрителям. При этом в музеях, галереях и интернете мы видим 100 %-ный объём современного искусства, и к этому надо быть готовым. Но процент произведений, заслуживающих нашего внимания, от общего числа созданного очень небольшой.

l94/ZUMAPRESS.com/www.globallookpress.com

Картина Энди Уорхола «Шестнадцать Джеки» (1964) на аукционе Sotheby's Все работы на современных выставках есть смысл расценивать как попытки художника высказаться с помощью своего творчества. И не стоит думать, что каждая такая попытка, даже если она нашла место в лучших музеях мира, является искусством или тем более великим шедевром. Тогда как продвинуться в том, чтобы начать понимать современное искусство? Несмотря на то что невозможно целиком увидеть, изучить, пощупать и подвести итоговую черту современному искусству, вполне реально постараться понять, по каким принципам этот большой поток информации течёт, обновляется и находит новые русла. Самое замечательное в современном искусстве то, что в этом смысле оно никак не отличается от искусства прошлых веков. Художники всё так же работают над теми же темами и идеями, пытаясь подобрать новые интересные образы. Современное искусство может принимать абсолютно любую форму и быть создано из чего угодно. Его ключевое отличие — в инструментах художника. Если у Веласкеса были краски и кисти, то у наших современников набор гораздо внушительнее. Он намного изощрённее, неожиданнее и может включать в себя потоки неонового света, как в инсталляциях Джеймса Таррелла, скульптуры из мусора, как у ХА Шульта. Картины Такаси Мураками на суровые темы исполнены в ярком и беззаботном стиле. Джефф Кунс для создания своих знаменитых скульптур использует современные технические средства. И к нам подбирается искусство, созданное художниками с помощью искусственного интеллекта. В то же время считается, что современное искусство непременно должно быть насыщено смыслами и идеями, иначе в нём как будто нет ценности и назначения. Но искусство никогда раньше не нуждалось в такой плотности смыслов. Создавать атмосферу, делать красиво и фиксировать реальность художника — этого было вполне достаточно. Современные художники находятся под колоссальным прессингом и, кажется, не имеют права создавать что-то простое, без размышления над глобальной темой или без другого мощного высказывания. Иначе они обречены утонуть в потоке, они не будут услышаны никогда. А ведь в мире нет ни одного художника, который не хотел бы, чтобы зритель увидел его творчество. Поэтому, когда мы приходим на выставку современного художника, видим его творчество, рядом с ним висит табличка с длинным текстом, в котором высокопарным языком описана концепция произведения. Эту табличку можно расценивать в том числе как «привет» сквозь столетие от нашумевших когда-то Малевича с Кандинским, а ещё как маркетинговую попытку набить цену своему произведению вроде: «Смотрите, как умно можно рассуждать о моей работе». Возможно ли относиться к этим концепциям проще? Прежде всего посмотрите, совпадает ли мысль на табличке с тем, что изображено в произведении. И если да, попробуйте порассуждать и оценить, насколько интересным оказался образ, показанный художником. Помните, все идеи одинаковые, художник не может придумать новую идею любви, войны или веры. Но он может выразить её по-новому, и тогда его работа становится важной и ценной для зрителя и искусства. У меня самой нет цели слишком хорошо разбираться в современном искусстве. У меня нет задачи изучить его как можно лучше, увидеть как можно больше работ художников. В современном искусстве я полагаюсь на судьбу: всегда стараюсь ходить на разные громкие и не очень выставки, посещаю большие галереи и музеи современного искусства, когда путешествую. Иногда встречаю что-то очень личное и интересное для меня, а порой вижу только проходные работы. Я не требую от современного искусства слишком многого, но всегда даю себе шанс увидеть что-то трогающее. Я не хочу быть систематизатором или научным исследователем на выставках современного и классического искусства. Я зритель и художник, который хочет думать и рассуждать. Для меня самое главное — это диалог, который может получиться между мной и искусством на выставке, а не чьё-то правильное, высокомерное, надменное, систематизированное, фактологическое и высокопарное представление о том, что и как я должна тут понять. Парадокс: современное искусство легче всего понять современному зрителю, потому что оно говорит с нами на близком и понятном визуальном языке. Немного куража, азарта и готовности занимать место активного собеседника в музеях и галереях современного искусства по всему миру — и тогда у нас с вами всегда будут мысли, которыми мы сможем делиться с близкими и друзьями после посещения выставок. Во власти любовницы: кого изобразил да Винчи на одной из своих знаменитых картин